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La cuarta edición del festival Umbra Light Festival se celebrará del 14 al 16 de febrero en Vitoria bajo el lema 'El arte es paz'. Una cita que viste con luces, colores e imágenes la capital alavesa. En esta ocasión, ofrecerá 21 proyecciones en lugares y edificios emblemáticos de la ciudad como la plaza de Los Fueros, el Museo Bibat o la iglesia de San Pedro. Estas son los espectáculosque se podrán ver el tercer fin de semana de este mes.
En 2022, la Uneso declaró el toque manual de campanas como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad. Históricamente, este acto ha estado asociado tanto a rituales religiosos como a eventos sociales. Bajo el lema 'Arte es paz', el festival de este año busca transmitir un mensaje de esperanza y armonía. Como prólogo de cada noche, 'Campanas de Paz' acompañará a los ciudadanos en su recorrido. Para ello contaremos con tres de los campanarios más emblemáticos de Vitoria. Desde allí, haces de luz infinito surcarán el cielo, marcando el paso del tiempo y recordándonos que el arte, en su máxima expresión, puede guiarnos hacia la paz.
ECHO hace referencia a su creación audiovisual, donde cada sonido y elemento de iluminación Led entablan un diálogo dinámico, respondiendo entre sí para crear un ballet infinito de movimiento y luz. La forma comienza como termina, perpetuamente reflejada a través de reverberaciones auditivas y visuales, invitando al espectador a un bucle de exploración sensorial. Esta creación se enriquece aún más con su interacción de escalas, su plasticidad y el uso innovador de materiales mixtos combinados con Leds direccionables. Su apariencia visual cambia según el punto de vista del observador, ofreciendo una experiencia única desde cada ángulo y reforzando el concepto de eco en forma y percepción.
Inspirado en El discurso del amante de Roland Barthes, DRESSES explora el deseo de fusionarse con un amante, simbolizado a través de vestidos extravagantes hechos de cientos de hilos de fibra óptica. Suspendidos en la oscuridad, los vestidos brillan y cambian de color, representando sus historias evolutivas de amor, intimidad y transformación. Cada vestido cuenta una historia única, invitando tanto a la adoración como a la inmersión, mientras refleja la profunda conexión entre dos personas, convirtiéndose en una metáfora de la unión, el cambio y el paso del tiempo. La instalación evoca la fantasía de convertirse en uno solo con un amante.
UN OISEAU DE PASSAGE es una escultura monumental que representa un enorme pájaro mágico que emerge de la oscuridad, vuela, agita sus alas y desaparece. Cuenta la historia de un ave que atraviesa paisajes, testigo de sus cambios y desapariciones, cuyo viaje migratorio se ve alterado por la presencia humana. La obra está acompañada de una creación sonora espacializada que mezcla música, cantos y ruidos concretos. Los 64 pájaros están organizados en puentes escénicos modulares, para contar su historia.
PARALLEL STRATA es una instalación cinética de luz y sonido creada por Nicky Assmann y Joris Strijbos, que presenta esculturas monumentales combinando luz estroboscópica giratoria con juegos de sombras. Esta experiencia audiovisual invita a explorar una interacción dinámica de luz y sonido, revelando estratos paralelos. Conocidos por obras como Moiré Studies y Fading Shadows, Assmann y Strijbos fusionan arte cinético, cine expandido y experimentos perceptivos. Sus máquinas multisensoriales resaltan las relaciones entre luz, sonido, espacio y movimiento, actuando como instrumentos de música visual. Encargada por la ZERO Foundation en 2018, su versión de 2024 es coproducida por Llum Barcelona y Spectro Productions. La obra contiene luz estroboscópica; se recomienda precaución a personas sensibles a este tipo de luz.
El término en latín Domus designa el espacio doméstico: la casa, el hogar, un lugar donde la arquitectura es más arquitectura porque la protección es mayor que en cualquier otro espacio. Este es el concepto principal de LUX DOMUS, una arquitectura de luz que busca ser un espacio de acogida, de silencio, de paseo tranquilo que invite a la reflexión, donde la transformación geométrica de la luz alterará nuestra percepción del entorno, creando una experiencia única. Paralelamente, el proyecto aborda la luz como si de un material sólido se tratara, recordándonos que la esencia de un espacio reside en la interacción de los elementos que lo delimitan.
El término en latín Domus designa el espacio doméstico: la casa, el hogar, un lugar donde la arquitectura es más arquitectura porque la protección es mayor que en cualquier otro espacio. Este es el concepto principal de LUX DOMUS, una arquitectura de luz que busca ser un espacio de acogida, de silencio, de paseo tranquilo que invite a la reflexión, donde la transformación geométrica de la luz alterará nuestra percepción del entorno, creando una experiencia única. Paralelamente, el proyecto aborda la luz como si de un material sólido se tratara, recordándonos que la esencia de un espacio reside en la interacción de los elementos que lo delimitan.
ÍZARO es un viaje a través de la cultura vasca en el tiempo y el espacio, una experiencia que conecta el pasado con el presente y abre preguntas hacia el futuro. Es un encuentro multidisciplinar donde la arquitectura, la escultura, la fotografía, la videocreación y la danza con la colaboración del bailarín Jon Maya Sein, convergen para reflexionar sobre temas esenciales como la identidad y la naturaleza, el mito y la historia, la artesanía y la tecnología. La instalación ÍZARO toma como punto de partida la emblemática escultura homónima de Néstor Basterretxea, transformándola en un juego dinámico de color, volumen y movimiento, que invita al espectador a redescubrir sus significados. Música de Luis Miguel Cobo.
La instalación GUERRA Y PAZ revive una de las fuentes-columna del escultor Girbau, cubriendo sus frentes con pantallas de video. En ellas, además de generar distintos visuales que representan la creación (paz) y la destrucción (guerra), el público puede interactuar a través de un código QR y accionar distintos mensajes sobre guerra o paz que saldrán en las pantallas. Estas voces digitales generan visualizaciones simbólicas, determinando qué ideas prevalecen en cada lado de la columna. Así, la columna cobra vida como testigos de un diálogo contemporáneo donde la interacción reconstruye el flujo simbólico del agua que un día cayó por esa fuente.
AFFINITY es una instalación interactiva e inmersiva que se inspira en los complejos mecanismos del cerebro humano. Cada esfera de luz simboliza un recuerdo, esperando ser despertado. A medida que los visitantes se acercan a AFFINITY, son recibidos por una sinfonía de recuerdos, cada uno activado por su proximidad. Al tocar una esfera, se enciende una luz correspondiente, iniciando un viaje visual. Cuanto más se interactúa, más lejos viaja la luz a través de la instalación, tejiendo un tapiz único de conexiones. Con 112 combinaciones de colores cautivadoras y 62 puntos de interacción, AFFINITY invita a explorar las profundidades de nuestras experiencias compartidas.
PELOTARI es una propuesta audiovisual que convierte el frontón de la Plaza de los Fueros en un escenario vibrante de historia y cultura. Los muros del frontón simbolizan los desafíos que debemos superar, tanto en el deporte como en la vida. La instalación rinde homenaje a las pelotaris femeninas, destacando su creciente relevancia y desafiando los estereotipos de género mediante imágenes de muros que se quiebran y caen. Usando el deporte como metáfora, PELOTARI proyecta la tradición vasca hacia el futuro promoviendo la superación de barreras sociales, políticas y de género, con un mensaje de resiliencia, inclusión y creatividad.
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RANGE IN BETWEEN es una instalación que explora la luz como un instrumento clave en la relación sociocognitiva entre el mundo, las personas y el espacio. Esta propuesta inmersiva y contemplativa reflexiona sobre las identidades de género y cuestiona el binarismo a través de una dramaturgia coreográfica que une luz y materia. La luz del láser interactúa con materiales, dividiendo un haz de luz blanca en un espectro prismático. Los rayos resultantes se dispersan en distintas direcciones, mostrando texturas y colores. Es una danza que habla de los matices y la vulnerabilidad del cambio constante, invitando a reflexionar sobre cómo relacionarnos con lo extraño y no codificado.
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SECUENCIAL alude a la naturaleza progresiva del proceso de diseño, donde capas estéticas se suman sobre una idea revelando nuevas posibilidades. Esta propuesta transforma una instalación artística ya existente - Ur-Tantak por el 25 aniversario del Centro Cívico Aldabe-, modulando la percepción de la misma. SECUENCIAL explora cómo la luz transforma y dirige la atención mediante ritmo, intensidad y color, estableciendo un diálogo entre arquitectura, fotografía y espacio urbano. Basado en el Centro Cívico Aldabe y trabajando sobre las fotografías de Piko Zulueta y Koldo Mendaza, superpone elementos lumínicos para reconfigurar la percepción y guiar la mirada con un juego rítmico y cromático sobre la fachada.
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¿Cómo será la ciudad del futuro? ¿ENTONCES? explora el posible desarrollo de las ciudades en el futuro, considerando aspectos como la vida social, el cambio climático, la producción de energía, la arquitectura, la movilidad y la naturaleza. Estas capas se presentan en seis escenarios distintos de ciudades futuras: verde, distópico, capitalista, social, de ciencia ficción y dictatorial. A través de la combinación de estos escenarios, podemos visualizar los posibles cambios a los que podríamos enfrentarnos en el futuro. Las imágenes fueron creadas utilizando inteligencia artificial. Este proyecto fue desarrollado inicialmente como una instalación interactiva en colaboración con Lea Brugnoli y Lukas Thiele, y adaptado como ¿ENTONCES? para UMBRA 2025. Música y diseño sonoro por Max Knoth (2025)
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TRAZOS DE PAZ es una experiencia que conecta a cada visitante con la ciudad de forma técnica, lúdica y creativa. Durante el festival, los asistentes podrán dar vida a su imaginación y participar activamente. Cada visitante tendrá la oportunidad de trazar su visión de la paz a través de la luz, un símbolo universal de esperanza y conexión. La actividad invita a reflexionar y plasmar de manera tangible el significado de la paz en un entorno creativo y colaborativo. Así, TRAZOS DE PAZ se convierte en un puente entre el individuo, la comunidad y el espacio urbano, iluminando la ciudad con la participación de todos.
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El lema «ARTE ES PAZ» guía esta edición del festival, un mensaje que refleja el poder del arte para generar armonía y conexión. Esta frase se exhibe en la fachada de Villa Suso, un emblemático espacio cultural de la ciudad que acoge congresos, exposiciones y eventos de relevancia. Situado en el corazón de Vitoria, Villa Suso es un lugar de encuentro para la creatividad y la reflexión, y con esta instalación, queremos que el lema resuene en el centro de la ciudad, simbolizando la unión de la Cultura, el Arte y la Paz como principios fundamentales del festival.
La instalación LARGE PENDULUM WAVE da vida a un fenómeno físico hipnótico. Con una escala de 12 metros, cuenta con 15 péndulos independientes de diferentes longitudes que oscilan al ritmo de las fuerzas de la naturaleza. Una vez liberados, la gravedad los pone en movimiento, creando patrones dinámicos y sorprendentes, ya que los péndulos más cortos oscilan más rápido que los largos. Los péndulos siguen una secuencia matemática precisa, generando olas y cuasi-caos. Además, cada péndulo tiene iluminación LED programable, que, sincronizada con composiciones musicales, crea vibrantes espectáculos de luz que realzan e interactúan con los patrones de oscilación.
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HIGHLIGHT es una obra que va más allá de la arquitectura y la tecnología, utilizando láseres para transformar edificios y monumentos en paisajes de luz efímeros. La luz no solo ilumina, sino que redefine el espacio, convirtiendo lo familiar en algo extraordinario. Este proyecto invita a reconsiderar nuestra relación con el entorno urbano, manipulando la percepción mediante la interacción entre luz, sombra y materia. HIGHLIGHT plantea una profunda reflexión sobre lo real y lo ilusorio, convirtiendo la arquitectura en un fenómeno fugaz que cuestiona nuestra comprensión del espacio, recordándonos que lo que vemos no siempre es lo que es. A través de este juego visual, se invita al espectador a reconsiderar el papel transformador de la luz en la construcción de nuestra realidad cotidiana.
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O es una instalación audiovisual que explora la transformación del espacio a través de la luz, el color y el sonido. Con un diseño minimalista, su pieza central es un marco con forma de ojo iluminado por haces de luz teñida, que crean atmósferas etéreas. La obra guía a los espectadores hacia un estado de calma y reflexión, alejándolos de las distracciones cotidianas. Su lenta metamorfosis combina elementos visuales y sonoros, fomentando una experiencia única de contemplación. Este proyecto refleja la búsqueda del artista por la simplicidad y el equilibrio, transformando los espacios en portales para la introspección.
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ATARAXIE significa «tranquilidad mental». En esta nueva instalación, el artista Maxime Houot se cuestiona qué podría significar este estado en un mundo post-pandemia, cambiado y aún en evolución. Una fila de láseres llena el espacio con haces de luz roja, que inicialmente forman simples cruces antes de evolucionar hacia estructuras complejas, semejantes a tesseractos. ATARAXIE explora el vacío de lo desconocido, preguntándose si podremos llenarlo con lo cómodo y familiar o si encontraremos nuevas formas de vivir.
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1.5 GRADOS es un mapping que invita a la reflexión sobre el cambio climático. 1.5 grados por encima de las mediciones preindustriales es la temperatura que nos separa de catástrofes climáticas mundiales, entre ellas la desaparición de los glaciares, vitales para la estabilidad de la vida en la tierra. Mediante grabaciones de hielo interactuando con proyecciones, láseres y LEDs mezclados con efectos digitales, esta instalación transformará la Muralla de la plaza de Escoriaza Esquivel, en un gran iceberg de luz y música con texturas realistas, profundas y con movimiento para destacar la belleza de estos colosos. El riesgo de su desaparición es la llamada de socorro que todos deberíamos escuchar, nuestra única esperanza es reducir las emisiones de CO2 que provocan el calentamiento. Dirección_CG Artists: Martina Ampuero, David Ros, Javier Cañal, Joan Nieto / Música y Sonido: Pol Marquès.
La instalación EMPATÍA (2023) destaca por reflejar el compromiso del festival con valores humanos fundamentales. A través de un iris compuesto por diez capas concéntricas de color, la obra invita a explorar un espacio limitado pero profundo, donde la luz y el color se convierten en los verdaderos protagonistas. Mediante mezclas aditivas y sustractivas, armonías, saturación, brillos y reflejos, se abren infinitas posibilidades para la reflexión. La EMPATÍA, no solo mejora nuestras relaciones personales, tiene el poder de transformar sociedades hacia un futuro más pacífico. Con esta instalación, se busca promover reacciones emocionales en los espectadores, generando una experiencia sensorial que nos recuerda que el arte puede crear paz, conexión y entendimiento, trascendiendo fronteras.
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